27.04.2025
Ни для кого не секрет, что Священное Писание как источник неисчерпаемого вдохновения явило миру великое множество произведений живописи, графики и скульптуры. На библейские сюжеты были написаны тысячи картин, фресок, икон, гравюр, а также созданы различные скульптурные произведения искусства. Бесспорно, что многие из них, как и сами книги Библии, пронизаны единой сюжетной линией, однако стоит отметить, что каждое произведение, в зависимости от личности, таланта и мироощущения его творца, а также особенностей культурно-исторического периода создания данного произведения, является уникальным в своем роде и требует отдельного пристального изучения, прочтения и обсуждения.
А как же прочитывали Библию художники?
Их отношение к библейским текстам на протяжении длительного времени определялось сознанием того, что они имеют дело со священным, боговдохновенным текстом, интерпретация которого требует предельной осторожности. Сфера религиозного искусства, находившаяся под зорким и неусыпным контролем церкви, всегда отличалась консерватизмом. Самые первые изображения ветхозаветных и евангельских сюжетов появились уже в II– III веках. Они украшали и по сей день украшают стены катакомб – подземных галерей. Библейские сюжеты в живописи появляются и в рельефах христианских саркофагов.
После 313 г., когда указом императора Константина христианство было освобождено от преследований, которым оно подвергалось вплоть до IV в., и получило равные с другими религиями права. Приток верующих значительно усилился, и церковь быстро осознала необходимость создания таких изображений, которые бы облегчали понимание религиозных авторитетов и могли наставлять верующих на путь истинный. Повсюду строятся христианские базилики, стены которых украшаются живописными изображениями на сюжеты Ветхого и Нового Заветов. Монументальные фресковые росписи или мозаичное убранство интерьеров с его сияющими золотыми фонами создавали в христианских храмах особую, проникнутую торжественностью и покоем атмосферу, настраивающую прихожан на благочестивые размышления.
Иконопись в общем комплексе религиозного искусства занимает особое место. Она еще более строго, чем западная религиозная живопись, относится к канону, к незыблемым традициям, к неукоснительному соблюдению правил. Это не способствовало творческим новациям. Но можно со всей определенностью сказать: лучшие иконы работы мастеров византийского мира, и в том числе русских иконописцев, не только исторические и общекультурные памятники, но и памятники живописного искусства мирового значения. Процесс сложения христианской иконографии со строго оговоренной системой изображения библейских персонажей и сцен не ограничился эпохой раннего христианства. Он протекал на протяжении всего средневековья, когда и византийские и западноевропейские художники неустанно трудились над созданием все новых и новых изобразительных схем, со временем получивших статус закрепленных традицией иконографических канонов.
В конце XV в., появляются на свет живописные произведения, которые порой трудно определить как принадлежащие области религиозного искусства, в них много мотивов повседневной жизни той эпохи. Несмотря на свое широчайшее распространение, эта светская по своей сути тенденция вызывала резкие нарекания у многих церковников, видевших в ней угрозу самой природе религиозного искусства, изначально призванного не развлекать досужего зрителя, но внушать ему понятие о сакральном значении библейских событий.
Всячески поощрялось и изображение сцен всевозможных «чудес», внушавших людям представления о всемогуществе божьем. Деятельность художников протекала теперь под опекой духовных «отцов» и «святой» инквизиции, что, несомненно, ограничивало свободу живописной трактовки библейских сюжетов.
В коллекции Ейского историко-краеведческого музея им. В. В. Самсонова находится икона Мадонна с младенцем (Почаевская), в довольно интересном исполнении. В деревянной раме чёрного цвета. Фон золотой, украшен эмалью. Эмаль восьми цветов: тёмно-синяя, голубая, оранжевая, жёлтая, красная. Белая, чёрная, розовая. Ею украшен орнамент фона вокруг мадонны, а также нимбы вокруг голов.
Мадонна с младенцем написаны маслом на стекле. Фон – золотое тиснение по стеклу. Одеяние мадонны: багровый плащ с зелёной подкладкой, золотой каймой. На голове из-под плаща виден голубой платок, поверх плаща венец. Лицо мадонны обращено вправо, на руках младенец. Младенец в белой рубашке с зелёной полосой на правом плече. На голове венец. На первом плане изображены камни со следом стопы Девы, наполненным водой.
Сюжет работы связан с легендой о Деве Марии, о её покровительстве и с её следом на камне. Название свое икона получила от места Почаева, где и прославилась.
Почаевская икона ограждает землю русскую. В тяжкие времена монголо – татарского ига на западе нашей страны иноки Киево-Печорской Лавры основали Почаевскую обитель. Однажды один из этих подвижников взошел на гору для молитвы и увидел Пресвятую Богородицу в огненном столпе, стоящую на камне. Он тотчас позвал посмотреть на видение жившего с ним инока. После окончания видения на месте где стояла Богородица, камень расплавился и стопа, отпечатанная в камне, наполнилась прозрачной водой. Замечательно, что вода в этой стопе не убывает, хотя многочисленные паломники брали её для своего освящения и исцеления. Явление Пресвятой Богородицы на Почаевской горе было около 1340 года. В XVI веке Почаевская гора принадлежала помещице Анне Гойской. Митрополит Константинопольский Неофит в 1559 году проездом из Константинополя на Волыни посетил Анну Гойскую и подарил ей икону, обладавшую чудотворной силой и исцелившую её брата Филиппа. Анна подарила землю спасавшимся инокам, помогла выстроить там храм в честь Успения Пресвятой Богородицы. В этот храм и была передана чудотворная икона.
Почаевская Лавра возникла в XVIII веке, когда по Западной Украине возводили ансамбли монастырей (60-70-е г.г.). В городе Почаеве Тернопольской области в 1833 г. получил степень лавры мужской монастырь, ныне действующий.
Также в коллекции Ейского историко-краеведческого музея им. В. В. Самсонова находятся библейские сюжеты в картинах художников эпохи позднего Возрождения: «Вознесение Христа» и «Мадонна с младенцем» Людвига Фицойлера.
Вознесение Иисуса на небеса, как указано в Новом Завете, было частой темой в христианском искусстве, а также темой в богословских трудах. Самые ранние прямые изображения Вознесения относятся примерно к началу 5 века, часто основаны на изображениях Руки Божьей, а к 6 веку была создана иконография. На многих изображениях (и всегда в Восточной Церкви) Дева Мария находится в центре группы апостолов (представляющих Церковь), которые смотрят вверх, на восходящего Иисуса, который обычно подает знак благословения правой рукой.
На картине Людвига Фицойлера сюжет Матиаса Грюневальда – великий немецкий художник XV –XVI веков который в первые в истории живописи вводит сюжет поверженной стражи. Сходство «Вознесение Христа» по стилистике прослеживается также и с картинами итальянца Паоло Пино («Вознесение»), у которого стилистика посредственна, как и в данном случае.
На картине отображена христианская идея победы добра над злом и несокрушимости Святого духа. На полотне изображён Иисус Христос и перепуганная стража – римские легионеры, поставленные иудеями стеречь гробницу Христа. В картине детально изображены их одежда, обувь, оружие. Они опрокинуты необыкновенной силой, исходящей от возносящегося Иисуса. Возле пещеры, на камне сидит ангел, а в глубине картины мы видим группу женщин, пришедших умастить тело Господа.
Все персонажи сюжета расставлены так, чтобы выделить главную идею, сосредоточенную на Христе, его фигура даже не просто возвышается над всеми, но и больше по размерам, чем все остальные. Композиция выстроена таким образом, что уравновешивается центр со стражниками фигурами ангела слева и женщинами справа. Важность, торжественность и напряжённость происходящего - в жестах персонажей и колорите картины. Утончённость и манерность жестов всех персонажей присуща периоду маньеризма (особенно чешского) конца XVII века и присутствует в этой картине, поэтому её можно отнести к периоду конца XVII, начала XVIII веков.
Сочные красочные аккорды на одежде римлян, - они не столько подчёркивают приближенность к правителю, сколько повествуют о причастности к крови, пролитой Христом. Тем более контрастнее выглядят остальные персонажи - в светлых тонах, тонах, подчёркивающих святость действующих героев. Центральная фигура Иисуса Христа излучает свет, который как бы изнутри картины освещает всё происходящее и подчёркивает неординарность, святость происходящего. Такой приём - освещение «изнутри картины» также характерен для периода маньеризма в чешской живописи того времени.
Картину «Мадонна с младенцем» изначально написал итальянский художник Доменико Пулиго в XVI веке. Мадонна нежно поддерживает Сына обеими руками и смотрит на зрителя взглядом, полным трепета и тихой умиротворенности.
Интересно, что художник изобразил Богоматерь как реальную женщину, одетой и причесанной по моде своего времени. При этом в облике Марии всё же остается нечто неуловимое, что подчеркивает ее духовную чистоту. Художник словно показал некий идеал человеческой личности — образ Прекрасной Девы и Милосердной Матери.
Важную роль в создании такого настроения сыграла художественная техника. Доменико Пулиго был современником Леонардо да Винчи и уже знал о разработанном им приеме «сфумато». C итальянского языка «sfumato» переводится как «затушеванный», буквально «исчезнувший как дым». В живописи так называют смягчение очертаний предметов. Если контуры и контрасты написаны как будто в легкой дымке, изображение выглядит очень естественным.Немецкий художник Людвиг Фицойлер, создавая свой образ Мадонны с младенцем, ориентировался на ранние итальянские образы. К образу Мадонны обращались все мастера Ренессанса. Итальянцы почтительно называли её мадонной, что значит «моя госпожа». Она была для них не небесной царицей, а нежной матерью, символом всего прекрасного в человеке. Мадонна – это материнская доброта, самоотверженность, чуткость. В мягком наклоне головы, в ясном выражении лица чувствуется земная красота.Может быть в ней нет особых красот, но сразу видно, что она написана профессионалом, скорее ремесленником, привыкшим работать для домашних алтарей. Картина написана уже не так тщательно и умело, как «Траур Мадонны», мазки небрежные, границы цветов резкие. Фигура младенца непропорциональная, что характерно такой трактовке эпохи поздней готики – начала маньеризма. Здесь отсутствуют яркие красочные акценты – ничто не должно отвлекать верующих от молитвы.
Сотни тысяч фресок, картин, икон, гравюр и скульптуры, созданные великими мастерами прошлого на сюжеты Священного Писания, были, есть и навсегда останутся гордостью всего человечества, а сами библейские сюжеты наверняка будут вновь и вновь привлекать художников грядущих времен.
При подготовке статьи использованы материалы из фондов Ейского историко-краеведческого музея им. В.В. Самсонова, а также из открытых источников:
https://www.pravenc.ru/text/182425.htm
http:// ru.wikipedia.org/wiki//
ведущий научный сотрудник Художественного музея им. И.А. Арзамасцева
Н.Е.Тарелкина.
